Del 8 al 29 de marzo, exposición EL HUIPIL Y EL CANASTO

La obra en si es una combinación de elementos rotundos, masas de color contundentes con líneas sinuosas y otras veces torpes y vagas. También es evidente el uso de grandes espacios en blanco que acentúan la relación entre los elementos, creando imágenes ingrávidas.

El huipil y el canasto recopila dibujos y grabados realizados entre los años 2010 y 2013. Describe y mezcla gráficamente elementos propios del folklore de Nicaragua, su país natal, donde vivió hasta los 14 años.

El recorrido a través del paisaje volcánico es una constante en la exposición; la frecuente actividad sísmica que sufría el país siempre fascinó a Dariana desde muy pequeña. Una vez adulta y lejos de aquellas tierras inundadas de fallas tectónicas y erupciones volcánicas surge una gran nostalgia y añoranza por la tierra y comienzan a aflorar recuerdos de la infancia y vivencias del entorno familiar.

Como contrapunto a los acontecimientos personales, ciertos rasgos del folklore como; la alfarería y la cestería serían otra importante fuente de inspiración denotada por el conjunto de colores vivos, el juego de formas, la simpleza, la humildad y contundencia del arte campesino.

La exposición está compuesta por 30 piezas. El dibujo es claramente el protagonista, pero se complementa con técnicas de grabado como la xilografía, la litografía o la tampografía; estas son las técnicas, son las que más se desarrollan a lo largo de toda la obra, obra que puede definirse como una minuciosa recopilación de paisajes llenos de simplicidad y limpieza.

Las artes del libro también están presentes en la muestra. El deseo de unir en un conjunto cerrado el trabajo realizado llega a convertirse en libro. En la exposición se puede apreciar un libro de artista que complementa con más detalles y guiños esa sensación intimista que despierta el resto de la obra.

La obra en si es una combinación de elementos rotundos, masas de color contundentes con líneas sinuosas y otras veces torpes y vagas. También es evidente el uso de grandes espacios en blanco que acentúan la relación entre los elementos, creando imágenes ingrávidas. La coherencia y organización de las formas es fundamental para describir las sensaciones que quiere transmitir.

La experiencia visual podría ser descrita e interpretada como un recuerdo armonioso, sencillo y timidamente contento.

La exposición forma parte de la programación expositiva del festival Miradas de mujeres, 2014.

Sobre Dariana Guevara: Artista nicaragüense nacida en 1985. Su formación artística la realiza en la Escuela de Arte Nº 10 de Madrid, obteniendo el título de técnica Superior en Grabado y Técnicas de Estampación y Diplomada en Diseño Gráfico. Con una carrera en el inicio son ya varios los reconocimientos con premios y becas. Su obra ha sido expuesta en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea de Betanzos, La Coruña, en la Galería aLfaRa de Oviedo, en la Escuela de Arte nº10 de Madrid y en la Galería Espacio SinSentido de Madrid. Esta presente en las siguientes colecciones e instituciones: CIEC Centro Internacional de la Estampa Contemporánea, Cabildo Insular de La Palma, Calcografía Nacional, Ayuntamiento de Madrid, Sala de Arte aLfaRa y Estampería Quiteña de Ecuador

Exposición – La práctica del desplazamiento de Daniel Ventura, del 13 al 19 de diciembre.
JULIO CÉSAR ABAD VIDAL. La obra de Daniel Ventura (México, D. F., 1984) parece desafiar el imperativo tácito que rige la obra de los artistas jóvenes: la explotación hasta la extenuación de un recurso –con frecuencia tan carente de profundidad alguna como desmedido de sensacionalismo– que permita su reconocimiento inmediato en cado uno de sus trabajos y les granjee así una familiaridad que idealmente les introducirá con mayor facilidad en el circuito comercial e institucional del arte. Por el contrario, el trabajo de Ventura se caracteriza hasta el presente por una conspicua heterogeneidad temática, formal y de procedimientos que despliega simultáneamente. Pese a su juventud, Ventura ha desarrollado su trabajo en medios y procesos tan diversos como la cerámica, habiéndose beneficiado para ello en 2008 de una residencia Piaristen Kunst Forum en Viena en la que desarrolló vaciados de un elemento cargado por la práctica del recorrido y el caminar: sus zapatillas (tenis), la poesía visual, mediante, por ejemplo, el serrado de una puerta hasta dotarle de la forma de los avisos que se cuelgan en los pomos de las puertas de los hoteles y en el que ha pintado Bitte stören –“se ruega molestar”–, una pintura figurativa de carácter matérico, los retrato de cuerpo entero de diversas personas, tanto próximas a su círculo personal como por completo ajenas, mediante un grafismo muy sintético sobre papeles de mediano formato, así como la intervención en el espacio público y la escultura de manipulación de objetos encontrados.
En 2012 emprendió una práctica urbana que denominó Viandante. Prácticas de señalización, en la que descubría sucesiones regulares de líneas en objetos tales como una pila de ladrillos o un contenedor de agua, sobre los que aplicaría pintura al esmalte monocroma en segmentos de sección constante, en acciones en las que la obra de Daniel Buren se constituye en referente, y pintó con aerosol amarillo las traviesas (durmientes) de un ferrocarril en un atajo frecuente y prohibido. Asimismo, procedió a subrayar visualmente mediante su marcado con cintas adhesivas las sombras de las vallas de un puente, haciendo de cada estructura metálica una suerte de gnomon efímero y carente de pautas. Intervenciones, todas ellas, que brindaba de modo anónimo y que ha dejado de realizar provisionalmente ante los problemas que le ocasionó ser sorprendido por las autoridades.
Artista que se aventura, que ha hecho de la ciudad su lienzo, Daniel Ventura ha otorgado protagonismo en numerosas obras gráficas y escultóricas a un objeto encontrado: las cajas de mercancías alimentarias (guacales) que halla en las calles y en el exterior de los mercados de su ciudad natal. Constituido en el material privilegiado para su producción escultórica, Ventura ha desarrollado con notable rigor geométrico variaciones sobre estas cajas, para lo que procede al desmontaje de todos sus elementos  y la construcción de nuevos conjuntos incorporando la integridad de las partes que las conformaban. En su serie en curso Constricciones, se ha implicado en conjuntos escultóricos muy complejos que han llegado a constituirse en instalaciones para espacios específicos (Oficina de arte, México, D.F.). Para ello se ha servido de un número muy elevado de los elementos rectangulares (40 x 30 x 7 cm) que, unidos por sus cuatro ángulos y un fondo, conforman las cajas, y que había desmontado diligente y previamente al efecto. Conjuntos que se ha dispuesto formando, entre otras figuras, una pirámide y una pilastra de sección ortogonal, y que, en ocasiones, ha desmoronado para introducir en su trabajo el azar.
Un cuaderno, comenzado en 2012, registra en sus páginas proyectos e ideas o bien recrea con tinta y grafito y frecuentes collages sus experiencias marcadas por los itinerarios urbanos o sus recreaciones de cajas o de sus elementos, una vez desmontadas. Abundan los mapas y los planos y los testimonios de sus trayectos, enriquecidos estos últimos meses por su estancia en la ciudad a la que se ha trasladado para una residencia con objeto de ampliar su investigación académica durante el último cuatrimestre del presente año, Madrid, como hace reconocible el empleo de los bonometros, notables por su color rosado, o un breve viaje a Lisboa.
Las obras de su primera exposición en España se integran en una serie de dibujos a la tinta china abierta en México sobre cartulinas amarillas y que  procedía a la recreación gráfica de las fotografías que tomó en su ciudad natal, en el exterior del mercado de abastos de Iztapalapa en un establecimiento familiar de compra, reparación y venta de las cajas de madera o que recreaban su intervención en Xochimilco, en noviembre de 2012, que denominó Integración, consistente en la incorporación a las pilas de cajas para su venta de otras serradas por él mismo, participantes del mismo rigor geométrico que caracteriza tanto a sus desplazamientos escultóricos como a sus intervenciones en espacios específicos.
Como aquellos dibujos, los presentados en Habitar la Línea constituyen versiones gráficas de imágenes procedentes de su archivo fotográfico, aunque en esta ocasión ha introducido el color (mediante pigmentos al acrílico y la acuarela) y ha recurrido al collage y como soporte, a papeles de acuarela.
Más sobre Daniel Ventura – www.behance.net/dventura

Del 07 al 28 de febrero, exposición CONTRA-CORRIENTE
Stefania Albiero ilustra 12 historias a contracorriente. Historias de infinitas mujeres, que de alguna manera, son cada uno de nosotros,  aquellos que queremos mirar al otro lado de la apariencia.
STEFANO PRESI. Contracorriente es también vivir. Vivir  no obstante las cosas, sin necesidad  o premeditación hacia  tomar posturas originales o extrañas, que estimulen masas. Contracorriente es luchar por y para algo superior. Moverse como individuo, aunque nadie lo pueda  entender, ni tan siquiera intuir. Contracorriente, cueste lo que cueste.
Con técnica mixta de collage y dibujo, Stefania Albiero ilustra 12 historias a contracorriente. Historias de infinitas mujeres, que de alguna manera, son cada uno de nosotros,  aquellos que queremos mirar al otro lado de la apariencia. Mujeres que quieren sentir y vivir las cosas, con especial sensibilidad para ello. Pintura sutil que se nos presenta junto a la delicada poesía de Isabel Montero Garrido, interpretación intensa de sensaciones, poesía humana.
12 poemas de la escritora de San Sebastián, extracto del poemario que lleva el mismo título que la exposición, inspiran y acompañan los cuadros.
Poesía que trasuda nubes y claros sobre la línea incierta del horizonte, entre cielo y mar. Calma y borrasca, que inundan el ser. Olas. Viento. O sólo miradas de ausencia. Retrato de lo humano a través de delicados dibujos, frágiles como las personas, frágiles como las sombras entre tanta tempestad. Trazos efímeros, sobre fondos tenues de sombras infinitas, como océanos ocres o carmesí. En las obras figura y fondo se superponen, se funden y confunden sin saber bien quién pueda ser el protagonista de la historia: ambigüedades, multiplicidad de sentidos, interpretaciones subjetivas, para nada unívocas. Delicadas infinidades, para describir sensaciones conflictivas del ser, del estar, del sentir. Ser. Estar. Vivir. Contra la corriente.
Sobre Stefania Albiero. Nace en Vicenza, Italia, en 1978. Afincada en Madrid desde 2003. Se forma como arquitecta en la Universidad de Venezia donde se titula en 2003. En la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid cursa en la actualidad un doctorado en  Ideación Gráfica. Ya en España avanza en su formación con maestros entre los cuales destacan los nombres de Francisco Recuero, Alosete (Isabel  Moreno González), Olegario Úbeda, y con un constante estudio y dibujo del cuerpo humano como socia del Círculo de Bellas Artes. Además de la pintura, se ocupa de arquitectura, decoración de interiores, ilustración y diseño gráfico. Es directora del estudio de diseño gráfico Gráfica Azafrán, y responsable de interiorismo e imagen en el estudio de diseño de interiores AP Interni. También es cofundadora de la empresa Mme. Sourire, como diseño gráfico para sonreír. En pintura trabaja principalmente con las técnicas de acuarela, collage y técnica mixta. Estrena públicamente su obra pictórica en 2003, como escenógrafa en Walkin’ Blues Story en Vicenza. Desde 2009 participa como artista invitada en varias puesta en escena de la performance de música y pintura en directo “Blues. Técnica Mixta” en Italia y España. Como acuarelista ha sido recientemente seleccionada junto a otros tres artistas para representar a España en ocasión del prestigioso Premio Internacional “Marche d’Acqua” en Fabriano. Italia. Sus obras han sido expuestas en Madrid, Vicenza, Fabriano Alicante, Almería, Salamanca, Alicante Ciudad Real, Paris y son objeto de colecciones privadas en Italia, España y Argentina.